標籤: 當代藝術

展覽回顧｜Aquotopia

「如果再也見不到你，祝你早安、午安、晚安。」
——《楚門的世界》（The Truman Show, 1998）
《Aquatopia》以魚缸作為所處世界的隱喻，探索觀看與權力之間的複雜關係，進一步引導觀眾反思自身在現代都市中所處的位置。魚缸內的生態場景──魚群的數量與色彩、水草的律動、水流的運行方式──構築出一幅象徵性的世界縮影。透過引導觀眾靜心觀察這個封閉的透明空間，展覽希望提醒人們重新培養對周遭世界的感知力，進而帶著這份專注與覺察回到日常，重新審視自身所處的城市與生活。
然而，《Aquatopia》不僅停留於觀看之美的表達，更深層探討了觀看與被觀看、控制與自由的交織關係。當觀眾注視著魚缸中的世界時，是否意識到自身也正如同魚缸中的魚般，身處一個更為巨大而隱形的觀看機制之中？這種機制或許來自監控技術的無孔不入，或許來自城市中無形的權力結構。
展覽巧妙地借鑑了電影《楚門的世界》（The Truman Show）的敘事結構。片中，楚門的一生被精心設計在一個巨大而封閉的攝影棚裡，每一天的生活都被無數攝影機記錄，並作為全球觀眾的娛樂內容。儘管他看似擁有正常生活，實則從出生開始便被牢牢控制在一個虛假的現實中。在不斷被觀看與操控的人生裡，楚門的覺醒與追尋自由的旅程成為對現代社會中監控與權力的有力隱喻。
Photo Credit：《The Truman Show》，來源：IMDb
與楚門的故事相呼應，《Aquatopia》邀請觀眾從被動的觀察者角色進一步轉變為操控者。展場內設置了一個電擊裝置，讓觀眾可以選擇按下按鈕，對魚缸中的魚群施加短暫的電擊。這一選擇揭示了觀看與權力之間的轉換：當擁有控制的權力時，我們會如何行使它？我們能否意識到自身與控制者之間的倫理責任？
作品同時回應了喬治·歐威爾筆下的「老大哥」式全景監控，提醒我們：觀看不再只是單向的行為，而是一種權力的象徵與運作模式。我們以為自己站在觀看的位置，掌握觀察的主導權，卻忽視了自身也可能正處於被觀察的視線中——世界即魚缸，而我們都是那群游弋其中的魚。
《Aquatopia》不僅是一場視覺與感知的實驗，更是一場權力與倫理的反思實踐。透過魚缸這個看似無害的場域，作品引導觀眾重新審視世界的本質與權力結構的滲透。或許，在這場實驗中，我們能開始質疑那座透明玻璃的存在，重新思考觀看的本質與生活的自由，從而找回屬於自己的世界與生活方式。
展覽回顧｜No Passive Mingling

「藝術的作用不再是形成虛構或烏托邦式的現實，而是實際上成為現實的生活與行為指引。」—— 尼可拉·布希歐，《Relational Aesthetics》
在當代藝術領域中，相遇、對話與共同反思往往發生於轉瞬即逝的時刻。參觀展覽或美術館多被視為孤立且沉默的經驗，觀眾在安靜的環境中與作品對話，進行內省與思索。然而，藝術場域內真正豐富的交流往往集中於展覽開幕、私人預展或深夜活動中：在這些時刻，展場內的隱性或明文規則暫時鬆動，空間被談話聲、人潮與社交活動充盈，藝術與人之間的距離因互動而重新被定義。
《No Passive Mingling》延續並放大了這種社交性現象，試圖將展覽開幕的活力與交織轉化為日常。展覽場域因此不再僅是靜態觀看的場所，而是充滿動態社交與交流的社會實驗場。觀眾不再是被動的欣賞者，而是共創氛圍中的核心參與者——透過與藝術作品、其他觀眾以及策展人之間的互動，激發一系列新的感知與思辨。
共同策展人之一的 Giada Holland。
展覽的策展理念受到關係美學（Relational Aesthetics）的啟發。法國評論家兼策展人尼可拉．布希歐（Nicolas Bourriaud）提出，關係美學強調「藝術作為一種會面狀態」，並將人與人之間的關係及其社會環境視為創作與實踐的出發點。在這一展覽中，藝術不再僅是單向的視覺呈現，而是成為現實生活與社交行為的指引。透過策展策略的安排，觀眾彼此之間以及與作品的對話得以被最大化。
這一理念也呼應了藝術家瑪麗娜·阿布拉莫維奇（Marina Abramović）的觀點：「真正的藝術不是在展覽中看到的物品，而是在那一刻的體驗與參與。」展覽不再是靜態的展示，而是一場動態、持續發生的社會實驗，邀請觀眾透過實際參與體驗藝術的力量。
《No Passive Mingling》作為展覽同時回應了疫情後人們對於實體交流的渴望與虛擬溝通疲憊感的反思。我們意識到面對面互動的無可取代之處，並試圖透過策展策略重現那種「真實的社會場域」所帶來的共感經驗。藝術作品不僅回應了這一思維，也藉由探討開幕場域中的社會動態與文化權力結構，成為開啟對話的觸媒。
藝術家們的創作透過積極的互動機制反映了展覽開幕中常見的社會動態——陌生人之間的交流、不同意見的交融，以及社會性參與的可能性。這些作品試圖模糊觀眾與策展人、藝術與社交之間的界線，讓每一位進入展場的參與者都成為共創經驗的一部分。
在此展覽中，我們試圖實現布希歐所提出的「藝術成為現實生活與行為的指引」的理念，讓展覽不僅是一場觀看的活動，而是重塑社會連結的契機。透過積極的參與與對話，《No Passive Mingling》引導觀眾重新思考藝術的社會功能與人際交流的價值，在這場當代藝術的實驗中探索創作與合作的無限可能。
策展人：Albby Hanxu Zhang, Giada Holland, Hee Jo Kang, Tai-Hsiang Huang, Sabina Eastman and Safiyah Abaalkhail
藝術家：Sarah Duffy, Faissal El-Malak and Karl Liang
展覽回顧｜Metamorphosis：Morrow in the Works

藝術作品不再僅僅是對現狀的反映，而是一種能夠解構並重塑未來認知的工具。
《Metamorphosis: Morrow in the Works》是一個探索人類對變遷與進化永恆追求的展覽，其意涵深刻地揭示了生命形態蛻變的象徵，並以此為基礎對未來進行想像與預測。本展覽以藝術作品為隱喻，作為對社會、文化及個體轉變的深刻反思，並以「異質性」為核心，通過對當代社會狀況及其文化困境的多元探討，呈現出一個具有批判性與未來感的藝術場域。
在本展覽中，我們進一步將「後人類」的概念引入討論反思，試圖描繪人類與其周遭世界、其他物種以及技術之間不斷模糊的界線。後人類不再是傳統意義上的人類，而是一個充滿未來想像的概念，突破了物理、生物與認知的邊界，讓我們反思人類的進化是否已不再局限於自然界，而是進入了人工與虛擬的領域。在這一框架下，展覽所呈現的異質性不僅是文化與社會的碰撞，還是人類與非人類之間的對話與融合。後人類的主題從根本上質疑了傳統的人類中心主義，並引發了對科技與人類關係的深刻反思。
《Metamorphosis: Morrow in the Works》於倫敦 Lock Studios 展出。
「異質性」作為本展的核心思想，強調了不同場域、立場及意識形態之間的對話與交匯，並反映了當代社會在全球化與文化碰撞中的矛盾與挑戰。透過跨領域的協作，本展覽不僅是藝術創作的展示，更是對現代社會結構、價值觀及身份認同的深度挖掘與再思考。藝術作品在這其中扮演了社會框架與主體認知的解構者，同時也是凝聚與激發對未來進行想像的催化劑。
在展覽場域的構建上，我們將「流變的空間」作為呈現形式，藉由隱喻、虛構等策略，將當代社會的動態轉變與未來的模糊可能性具象化。這樣的表達方式不僅挑戰傳統的藝術形式，更開創出一種新的美學異托邦，透過再現辯證法創造出一個既反映現實又促使觀眾質疑當前社會狀態的視覺語言。在這個異托邦中，藝術不再僅僅是對現狀的反映，而是一種能夠解構並重塑觀眾對未來認知的工具。後人類的視角成為一種關鍵的透鏡，讓觀眾在進入這一流變的空間時，能夠質疑過去與未來、自然與人工之間的界線，並反思自己在這些轉變中的角色。
本展覽的目的不在於回應特定的議題，而是通過作品促使觀眾對自身、對當下及未來進行更深層的反思。作品本身為觀眾提供了思考自我處境的契機，並藉此引發對未來可能性的提問。觀眾在與作品的互動中，不僅是被動的接受者，更是積極的參與者，藉此重新界定自我與世界的關係，並在此過程中促進個體的主體性與文化自覺。後人類的想像挑戰了我們傳統的自我認知，並強調了在全球體系中個體如何重新定位與科技、環境及其他非人類存在之間的關係。
本展覽將以創作者自身的實踐與反思為起點，深入理解與串聯複數的語境，最終形成具有脈絡感的敘事觀。此過程不僅構建出一個多元的敘事網絡，還強調了「自身」作為認同的中心點，將文化的獨特性作為重要的關注點，並與當前全球化背景下的知識體系進行對話。在這樣的框架下，觀眾將被引領進入一個探索未來可能性與當代社會轉變的新視野，並在此視野中重新定位自我、理解世界，進而塑造出更為深刻的文化理解與未來構想。
策展人：Tiffany Chia-Yu Tung、Ted Tai-Hsiang Huang
藝術家：Jeremy Chuang 、 Joseph Huang 、Tiffany Tung 、 Nicole Lin 、Sally Hsiao 、Nayeon Han 、 Minghao Sun、Yee Chang
《Metamorphosis: Morrow in the Works》展覽照片精選。
新書預告｜《How to dance with spaces》
《How to Dance with Spaces》書籍說明與介紹
在藝術、空間與人的交互之間，存在著一場無聲卻充滿張力的舞蹈。空間從來不是一個靜止的場域，它隨著光影的變化、人的行走以及藝術作品的介入而不斷被賦予新的生命。這本書以簡潔而富有詩意的語言，探索當代藝術如何進入空間，與空間及觀者之間形成動態的對話，揭示它們彼此之間微妙而深刻的關係。
每一頁只用幾句話，但每一句都試圖引領讀者感受藝術與空間交織的瞬間。透過光線的移動、材質的碰撞、聲音的消長，讀者將體會空間如何被重新定義與塑造，也將重新思考觀者的存在對於藝術意義的參與與延展。
這不僅僅是一部關於藝術與空間的哲思之作，更是一場邀請——鼓勵讀者以敏銳的感官和開放的心態走進各種空間，學會感受其細微變化，與之共舞。
在本書中，你將找到以下核心觀點：
1. 空間不僅是藝術的容器，也是創作的一部分
  空間的牆面、材質、光影與氣氛都會影響作品的呈現與觀者的感受。藝術進入空間後，會與空間形成相互影響的關係。
2. 觀者的介入是藝術與空間對話的關鍵
  當人走入空間，他們的存在與視角讓作品與空間之間的對話更加完整。觀者的移動與凝視，讓藝術在空間中變得鮮活。
3. 空間可以記憶藝術的痕跡
  當作品離開後，空間仍然保有它們曾存在過的記憶，這些記憶融入牆面、地板與空氣中，構成一段獨特的時間軌跡。
4. 藝術是與空間共舞的邀請
  無論是展覽場域、公共空間，或是日常生活中的角落，藝術皆可以成為人們重新認識與探索空間的契機。
本書適合多元讀者群：
- 藝術愛好者： 以新的視角思考藝術作品與空間的互動。
- 空間設計師： 探索空間作為創意場域的可能性與潛力。
- 美學愛好者： 喚醒感官，以不同的方式感知空間與生活。
透過《How to Dance with Spaces》，你將發現每個空間都有其獨特的聲音與節奏，等待我們用心傾聽與共舞。這本書將帶來一種嶄新的觀看與思考方式，啟發你如何以不同的方式感知世界。
新書預告｜《How to play with audiences》
《How to Play with Audiences》書籍說明與介紹
《How to Play with Audiences》是一場引導藝術創作者與觀眾建立深度連結的探索之旅。本書專為藝術工作者設計，旨在提供他們如何透過藝術手法與創作策略，讓觀眾積極參與作品的核心思考。這不僅僅是一次對藝術互動的反思，更是針對藝術創作未來可能性的具體實踐指南。
全書以簡單而有力的語句構建，聚焦於設計互動、營造沉浸式情境、激發情感共鳴的實用概念，協助藝術家重新審視與觀眾的關係。從動態參與到情感連結，每個概念都鼓勵藝術家設計更開放、更多元的藝術體驗，讓觀眾從原本的旁觀者轉變為合作者，從被動欣賞者進化為創造者。
藝術的力量不僅在於展示，還在於延續。
本書提出了一個重要的觀念：作品不應該僅僅存在於展覽現場，而應在觀眾的參與與記憶中持續發酵。透過創造性的參與設計，觀眾不再只是短暫的觀看者，而是持續創作與對話的一部分。
適讀對象
不論你是藝術家、策展人，或是對藝術與參與之間的交集充滿興趣的創作者，本書都將為你提供新思維與啟發。它鼓勵你從作品的創作邏輯中跳脫出來，重新思考觀眾的角色與參與方式。
關鍵理念包含：
- 如何設計一場讓觀眾自由探索的互動體驗
- 善用留白與開放結構，讓觀眾成為故事的共同創作者
- 激發觀眾的情感共鳴，以幽默或驚喜的手法打破距離
- 在創作中融入地方元素，拉近觀眾與作品的距離
- 鼓勵不可預測的參與結果，讓作品更具生命力
透過本書，藝術家與創作者將能學會如何重新定義觀眾的角色與參與方式，讓藝術成為真正的對話與共創平台，激發更多可能性的火花。如果你也渴望讓自己的創作更具生命力與互動性，這本書將是你的最佳夥伴。
新書預告｜《How to talk with artists》
《How to Talk with Artists》書籍說明與介紹
在藝術創作與人之間，存在著一場無聲卻充滿情感與想像力的對話。藝術家不僅透過作品表達自我，也藉由與觀者的交流拓展其創作的意義。然而，如何與藝術家進行真正有深度的溝通？這往往是一門被忽視的藝術。
這本書以簡潔而具啟發性的語言，探索與藝術家建立連結的方法。每一頁僅用幾句話，但每一句都試圖引導讀者重新思考與藝術家的互動方式。透過細膩的觀察與實用的建議，本書幫助你以尊重、好奇與同理心來開啟一場與藝術家的有意義對話。
藝術的世界充滿感性與直覺，本書將引領你以開放的心態進入這片豐富的創作領域。無論是在策展、收藏、創意合作，或是單純欣賞藝術作品的過程中，你都能學會以新的視角與藝術家交流，探索他們的創作靈感與熱情。
本書不僅是一份溝通指南，更是一場邀請——鼓勵讀者以真誠與耐心去傾聽藝術家的聲音，並以尊重與好奇共建交流的橋樑。
在本書中，你將找到以下核心觀點：
藝術家的語言需要傾聽與共情
藝術家的表達方式往往超越文字，他們的創作帶有豐富的感知與隱喻。因此，真正的溝通來自於理解他們的語言，而非單純的回應或評論。
開放與尊重是建立對話的基石
與藝術家交流時，開放的態度與真誠的好奇心會讓彼此的對話更加豐富。尊重對方的創作與觀點是建立互信的關鍵。
觀察比言語更重要
藝術創作有時無需過多解釋。透過細心觀察藝術家的作品與創作過程，你將發現比語言更深刻的交流契機。
溝通是一場探索創意的旅程
與藝術家的對話不只是理解作品本身，而是一起探索創作背後的靈感、挑戰與故事。
本書適合多元讀者群：
- 藝術愛好者： 從新的角度理解藝術家與他們的創作世界。
- 策展人與創意合作夥伴： 學會更有效地與藝術家交流，促進合作成果。
- 美學與文化愛好者： 啟發對藝術與人的更深入理解。
透過《How to Talk with Artists》，你將發現每次與藝術家的對話都如同一場探索創意的冒險，帶來無限的驚喜與啟發。這本書將幫助你以全新的方式看待藝術、藝術家與溝通，學會用心傾聽，並建立真正有意義的連結。
出版回顧｜《Back to Habitat》

書籍介紹
穿梭於台北城南的街道與巷弄間，我試圖以影像捕捉這座城市的肌理與脈動。在步伐與視線交織之際，一個根本性的問題不斷浮現：「究竟是我行走於城市之中，抑或這座城市根植於我的記憶與想像之中？」鏡頭中的城市景象宛如心境的映射，現實與虛構彼此交錯，形成一場動態的影像詩篇。
本計畫受到「路上觀察學」精神的啟發，延續日本藝術家赤瀨川原平及藤森照信等人所提倡的街頭觀察精神，以行走、駐足與凝視的方式探索城市空間的多重面貌。透過細膩的田野觀察與影像記錄，我們捕捉那些容易被忽視的街景與城市片段，讓其在影像中重新發聲。
此外，本計畫也借鑑了凱文·林區（Kevin Lynch）在《城市意象》（The Image of the City）中的五大核心元素：路徑、邊界、區域、節點與地標。我們嘗試以影像詮釋這些構成城市意象的重要結構。例如，影像中的街道作為「路徑」，串聯了日常移動的軌跡；建築與河岸形成了「邊界」，界定了不同的城市功能與記憶場域；而城南特有的文化地帶則是「區域」的縮影，承載著歷史與當代的交織。
在行走與觀察的過程中，我們宛如盲人摸象般，每個片段皆構成了對城市的獨特理解與想像。城市空間不僅存在於具象的建築與街道之中，更延伸至個體的記憶與心境。透過影像紀錄與跨界訪談，本計畫試圖探索城市、空間與人之間的動態關係，並拼貼出一幅綜合現實與心境的城市圖景。
我們希望藉由影像與記憶的重構，引導讀者重新感知台北城南的豐富樣貌。每一幀畫面不僅是城市肌理的記錄，更是心境與城市對話的見證。在這個過程中，我們試圖尋回屬於我們的棲息地，並以不同的視角探索這片土地的深藏敘事。
願讀者能以觀察者之姿，結合路上觀察學的精神與《城市意象》的視角，重新感知台北城南的獨特樣貌，並在此發現屬於自己與城市之間的故事。
書籍內頁照片摘錄

標籤: 當代藝術

藝術家的語言需要傾聽與共情

開放與尊重是建立對話的基石

觀察比言語更重要

溝通是一場探索創意的旅程